INCUBACIONES

Difícilmente hay un ejemplo local más claro que el de la obra de Sylvia Fernández Palacios, para demostrar la superación de la falsa línea demarcatoria entre abstracción y representación. Pero, también, pocos ejemplos más elocuentes de un nuevo placer en el acto de pintar. Las superficies de sus telas no solo son ricas en materia pictórica sino que la línea de alambrista que a menudo la artista camina -sobre territorio desconocido en el que no es ni la figura ni lo abstracto lo que palpa, coge y asienta sino ambos al mismo tiempo-, hace a las obras marcadamente perturbadoras.

Hay intensidad de riesgo en este placer como en otros; decididamente no hablo de entretenimiento o de una atractiva distracción.

Tal vez, todo sea resultado de la sensualidad que Fernández plasma en su pintura -extendiendo, desplazando y arremolinando el pigmento- y de cómo lo que plasma elude esa fácil tipificación a la que recurrimos -por hábito- en lo que se refiere a composición, paleta, género pictórico y rigor conceptual. Lo más prudente en este caso y ante esta pintura sería decir que este placer proviene de una exigencia muy seria: la de ser consecuente con la libertad de hacer arte contemporáneo y, sobre todo, de comprender y aprehender la infinita gama contemporánea de posibilidades que ofrece la pintura; sin cejar en la persecución de elementos o motivos visuales para desencadenar el goce del cuerpo y de la mente, permeable a los afectos y a las emociones.

El temple aparentemente diverso de las obras correspondientes a dos áreas diferenciadas dentro de la galería, no impide que uno pueda detectar el juego de conexiones planteadas en esta exposición individual por la artista. Los cuadros de mayor formato son las obras en las que construye y despliega un espacio pictórico en el que la pintura se carga de acentos de lo catastrófico en una dimensión planetaria. El pálpito sobrecogedor de la superficie pintada es el de un territorio que va quedando configurado en el plano de la tela y que, ya fijado, devuelve a los ojos del observador una dinámica en el que el arrastre de la materia se impone a la ilusión de un campo visual en profundidad. En estas obras la artista parece conducir a la mirada hacia la especulación en lo que concierne a una lectura de lo devastado como lo sublime contemporáneo.

Un sentido de la devastación como experiencia de lo sublime implica que lo irreparable del cambio en los parajes naturales ya no se da solo a causa de los estragos de “la furia desatada de la naturaleza”, de lo incontenible de fenómenos como un huayco, una erupción volcánica, un terremoto o un maremoto. Son las acciones humanas las que serían a menudo generadoras de destrucción y desolación pasmosas: vuelven irreconocibles lo que creíamos conocer o lo que confiábamos poder reconocer. Vuelven inhabitable lo que antes era el terruño, el territorio de lo familiar. Las claves cromáticas a las que recurre Fernández -y en las que estas telas quedan sumidas- son visiblemente el dispositivo para hacer que como observadores nos sumerjamos dentro de algo que tomamos por innombrable, que no logramos asir y menos aún fijar pero que la artista con rara premonición ha construido pictóricamente.

El espacio pictórico en las grandes pinturas está imbuido de contención que, en cada caso, traduce una insospechada frescura inmanente e imborrable. Percibimos la pintura de la artista como afirmación de la vida en flujo y de la no permanencia en el tiempo; sin gestualidad nerviosa ni impaciencia perfeccionista para con la materia y el medio pictórico.

Su angustia pasa por el mismo nervio por el que también opera el goce. Nada de lo pintado por ella parece dar al umbral de lo eterno y, más bien, señala hacia unas condiciones de existencia contingentes. La fragilidad y la vulnerabilidad sorprenden a la mirada desde la superficie firme que –sutilmente- las contiene. Fernández procede mediante la sustitución de las certezas que las formas familiares ofrecen generalmente a los ojos como reposo y puerto de llegada del entendimiento, por un constante cuestionamiento de su propia familiaridad con la forma como intuición, como lo que no existe pero que podría bien existir.

El desplazamiento hacia las obras de menor formato es el pasaje necesario para asimilar los movimientos de una consciencia y una visión referidas al experimento de la vida como acumulación de experiencias visuales-sensoriales. En estas obras que pueblan un muro hasta convertirlo en otro territorio de la pintura, la artista pasa a sugerir que no hay nada superior a la pintura para recoger el disfrute de estímulos y apariciones fugaces de lo real, que se ilumina, se enciende, decae, se descascara y desintegra dejando huella en nosotros. Son sus huellas las que nos acercan a Fernández a medida que comparte su periplo vital y su cotidianeidad sin afectación, con brío plástico y con esclarecimiento del lugar en que la memoria decanta.

Esta instalación de obras de pequeño formato aparenta ser paradojalmente un impulso en dirección de lo narrativo, pero no es que la fugacidad se rompa por el comentario que unas obras podrían estar haciendo con respecto a otras. Por el contrario, en lo fragmentario del conjunto está la gracia salvífica que detona en la percepción la tentación de unirlo todo en una trama para responder a la curiosidad ahora mismo, sin postergación.

Jorge Villacorta Chávez, octubre de 2017